Depuis que j’ai commencé la photographie, je veux dire sérieusement, je me suis toujours posé cette question : qu’est-ce qu’une bonne composition photo ? En me documentant, en étudiant les photographies des autres, en étudiant la peinture aussi, le cinéma, mais aussi d’autres formes d’art comme la musique, je me suis petit à petit forgé ma propre opinion…

Le truc, c’est qu’il n’y a pas une bonne réponse, et encore moins de règles. Contrairement à ce que l’on peut lire parfois sur internet.

La question est plus complexe qu’elle n’en a l’air. Elle appelle à se poser encore plus de questions.

Vouloir répondre à cette question est une quête sans fin. Non sans intérêt, loin de là, mais qui n’aura selon moi jamais de réponse définitive.

Alors plutôt que de ne vous donner que des règles ou des pseudo-règles pour vous aider à faire de meilleures compositions, je vais plutôt vous donner des pistes pour que vous vous posiez les bonnes questions.

 

1. Attendre la bonne lumière

 

Je commencerai par le commencement : la lumière.

Pas de lumière, pas de photo. Pas de bonne lumière, pas de bonne photo.

À un grand photographe à qui on posait cette question : que faut-il pour faire une bonne photo ? Il répondit : de la lumière, de la lumière…et de la lumière.

La lumière, c’est la matière première du photographe.

Photographie signifie littéralement « écrire avec la lumière ».

S’il existait une recette pour faire de bonnes photos, la lumière serait le premier ingrédient cité dans la liste, le plus important de tous.

Plutôt que de vous dire : « shootez aux levers et aux couchers de soleil », je préfère vous dire d’attendre la bonne lumière. C’est vrai qu’elle est très bonne tôt le matin ou en fin de journée.

Mais ce ne sont pas les seuls moments où vous pouvez sortir votre appareil.

Même quand la lumière est diffuse, plate, vous pouvez faire de belles photos. Il faut savoir quel genre de photos faire dans ces conditions mais tout est possible.

Le vrai conseil ici pour faire une belle composition photo, c’est qu’il faut garder votre horizon dégagé et clair. La première barrière à la créativité, ce sont les œillères, les idées reçues, les préjugés.

Vous devez avoir l’esprit ouvert. Grand ouvert.

Même en plein midi, vous pouvez avoir de la bonne lumière. Promenez-vous en forêt en été, quand les feuilles dressent un écran presque impénétrable, et vous verrez peut-être un rayon de soleil qui va illuminer votre sujet.

Partez randonner en montagne, les jours où il y a beaucoup de nuages, et vous aurez aussi peut-être la chance d’avoir un instant de grâce en apercevant le doigt de Dieu.

Jouez avec les ombres, les contrastes, les couleurs qui sont révélées à la faveur d’un chaud rayon de notre étoile.

Le conseil sous-jacent est d’attendre que la lumière soit idéale pour faire ses photos.

Ansel Adams pouvait patienter des heures dans le parc de Yosemite que la scène qu’il avait choisie soit éclairée de la meilleure manière.

Attendre que toutes les conditions soient réunies. Être au bon endroit au bon moment. Et faire la photo.

 

2. Trouver un centre d’intérêt
   

 

N’oubliez pas l’élément le plus important de votre composition photo : votre sujet.

Un sujet c’est bien, un sujet intéressant c’est mieux !

Oui comment trouver un centre d’intérêt ? En vous posant les bonnes questions.

Je vous ai déjà parlé de storytelling dans cet article. L’art de raconter une histoire avec votre photo. Ou de transmettre des émotions.

Mais comme dans tout bon scénario, il faut un protagoniste. Donc qui sera votre héros ?

Ne lésinez pas sur la recherche de ce dernier, pour vous y aider, posez-vous la question : Pourquoi je fais cette photo ?

Lors de ma séance dans les champs de tulipes, je voulais absolument trouver ce moulin parfaitement aligné avec les lignes de tulipes. Je voulais capturer un cliché de la Hollande, volontairement. Tous les éléments de ma photo seront forcément liés aux Pays-Bas.

Mon sujet : le moulin

À travers cette photo, je veux illustrer combien ce pays est plat, et que les seuls reliefs sont les ailes des moulins (ou des éoliennes…).

Le pays est plat mais non sans contrastes.

Le ciel est souvent superbe, chargé de lourds nuages blanc. Les tulipes à perte de vue, les couleurs, les canaux, forment de jolis contrastes avec l’apparente platitude du sol.

Mais que serait un cliché de la Hollande sans moulin ? Il me le fallait, ce moulin…

 

3. Connaitre ses objectifs

 

La connaissance et la maîtrise de votre matériel est fondamental pour créer une bonne photo.

Demandez à n’importe quel grand photographe si ses meilleures photos sont dues au hasard ou à la chance.

Connaître et comprendre comment fonctionne son appareil, et ses objectifs, vous fera faire naturellement de meilleures compositions.

Comprendre les effets d’une vue au grand-angle vous évitera de le sortir si vous voulez prendre un sujet lointain. Ou lorsque les lignes qui entrent dans le cadre sont nombreuse et droites, comme en ville ou avec certaines structures humaines.

L’objectif grand-angle va provoquer des distorsions qu’il sera très difficile et assez long de rattraper ensuite au post-traitement.

Un téléobjectif en revanche vous apportera très peu de recul si vous vous trouvez proche de votre sujet.

Savoir quand utiliser l’un et quand utiliser l’autre fait partie des compétences à acquérir. J’ai déjà écrit un article à ce sujet, « les 2 seuls objectifs qu’il vous faut« , et personnellement je n’emporte que ces deux-là. Parfois un seul.

Mais quoi qu’il en soit, je n’en change pas non plus toutes les deux minutes. J’ai un objectif de prédilection pour ma sortie – mon grand-angle par exemple, parce que je veux faire un certain type de photos. Le téléobjectif n’est là qu’au cas où je serai en face d’une belle image que lui seul me permettrait de faire.

Changer souvent d’objectifs augmente le risque de poussières sur le capteur. Et augmente aussi le temps de post-traitement.

Et puis, je préfère exercer mon esprit et mon œil au travers d’une seule optique pendant mes sorties…

 

4. Trouver et utiliser les lignes
   

 

Elles sont partout. Même quand vous ne les voyez pas.

Elles demandent parfois un œil exercé, elles se camouflent dans la nature comme un animal sauvage.

Le but du jeu est de les identifier. Même si elles ne sont pas évidentes à la prise de vue, il est souvent possible de les faire apparaître au post-traitement.

Les lignes ne sont pas forcément des lignes créées par le relief ou un les formes d’un paysage. Elles se trouvent parfois dans les ombres, dans les jeux de lumière et donc elles sont éphémères.

Attendre la bonne lumière est souvent payant à ce petit jeu. En effet, la lumière horizontale va révéler les textures et les reliefs, créant ainsi des lignes que vous pourrez utiliser dans votre composition photo.

D’où l’importance d’attendre la bonne lumière. Être au bon endroit, au bon moment.

J’aime quand les lignes convergent vers mon sujet, cela donne beaucoup de force à l’image. Et puis j’aime faciliter le travail de lecture de la photographie.

Trouver les lignes qui guident le regard vers votre sujet, voilà de quoi renforcer vos compositions.

 

5. Simplifier vos compositions
   

 

« Simplicity is key » comme le disent les anglophones.

En photographie de paysage, nous utilisons quand même beaucoup l’objectif grand-angle. Pratique, il permet de capter la grandeur d’un paysage, l’immensité d’un ciel ou d’une mer.

En revanche, lorsque trop d’éléments s’y trouvent, le message est brouillé. La composition ne fonctionne pas bien.

Donc, bien sûr vous pouvez utiliser un téléobjectif pour cadrer d’une manière plus serrée votre image, de sorte à exclure plus d’éléments à la prise de vue.

Je vous invite d’ailleurs à lire (ou relire) mon article « Pourquoi un téléobjectif fera de vous un meilleur photographe « .

Mais vous pouvez aussi utiliser votre grand-angle et simplifier votre composition. Cherchez d’autres angles, d’autres points de vue. Soyez inventifs !

Et si combien même vous aviez encore beaucoup de distractions dans votre cadre que vous ne pouvez enlever lors de la prise de vue, vous pourrez encore utiliser un outil puissant au post-traitement : le recadrage.

À condition que vous sachiez ce que vous voulez cadrer à l’avance, vous pouvez très bien prendre la photo au grand-angle et ensuite la recadrer dans Lightroom ou Photoshop.

À condition aussi que la résolution de votre image soit suffisante, vous pourrez recadrer ce que vous voulez dans votre image.

Ne sous-estimez pas cet outil, qui m’a parfois sauvé des images quand je n’avais pas mon 70-200mm.

 

6. Choisir le mode Priorité à l’Ouverture (Av)
   

 

Quand on est concentré sur les réglages, on ne l’est pas sur la composition photo. Si vous voulez progresser dans la manière de composer vos images, vous devez allouer plus d’espace à cette partie dans votre esprit.

Autrement dit, ne vous focalisez pas trop sur les réglages (allez, un peu quand même…) et passez plus de temps à étudier votre composition.

Quand on est en Mode Manuel, ce n’est pas forcément évident puisqu’on est sans cesse en train de contrôler ses réglages pour que l’exposition soit conforme à ce que l’on voudrait, bref votre esprit n’est pas entièrement concentré sur ce qui est, à mon sens, plus important que les réglages : la composition.

Oui, il vaut mieux une photo avec une belle composition mais qui comporte de petits défauts que l’on peut rattraper au post-traitement, qu’une photo parfaite sur le plan des réglages mais qui est vide de sens, et irrattrapable au post-traitement.

Le fond plus que la forme.

Je suis moi-même perfectionniste, mais je me suis rendu compte au cours du temps, qu’à trop vouloir que ma photo soit nickel, elle perdait de sa substance parce que je n’avais pas assez étudié et travaillé sa composition.

Heureusement, le Mode Priorité à l’Ouverture (Av) me permet de dégager du temps et de la matière grise pour réfléchir à mes compositions.

Et puis après tout, je n’ai pas investi autant d’argent dans mon matériel pour ne pas lui faire confiance…au moins juste un peu !

Résultat : avec ce mode, je contrôle l’essentiel de ce dont j’ai besoin au niveau des réglages, à commencer par la profondeur de champ, et j’ai une production de photos qui me satisfont, supérieure à celle que je fais uniquement en Manuel.

Il reste des situations où, parce que je suis confortable dans mon timing, ou parce que je ne peux pas utiliser le mode Av (les photos de nuit par exemple), j’utilise le Mode Manuel.

Le mode que j’utilise le moins est la Priorité à la Vitesse. Sauf pour certaines poses longues, ou pour capturer les mouvements dans l’eau (cf l’article sur « comment photographier les vagues« ).

Je n’ai pas à priori besoin de saisir de mouvement rapide, quoique je rencontre souvent beaucoup d’animaux sauvages lors de mes sorties. Mais on ne peut pas tout (bien) faire, n’est-ce-pas… ?

 

7. Utiliser les espaces négatifs
   

 

Une des premières choses que j’ai apprises lorsque j’ai commencé sérieusement la photo c’est : il faut remplir le cadre.

Il ne faut pas laisser d’espaces vides, se rapprocher du sujet encore et encore, etc…

Encore une de ces règles qui n’ont de règle que dans la manière dont elles sont énoncées. Sur certains sites, on se croirait à l’école primaire…

Je ne dis pas qu’elles ne sont pas valables, elles le sont, mais pas toujours.

Sur le plan créatif, chacun est libre de faire ce qu’il veut. Mais pour cela, il doit d’abord se sentir libre. Vous vous souvenez quand je disais plus haut qu’un artiste doit garder son horizon dégagé et son esprit ouvert ?

Prenez un photographe comme Michael Kenna par exemple. Un Maître du minimalisme en photographie.

Il sait donner un sens à la vacuité dans ses images. Il donne un sens à l’absence de paysage.

Il remplit son cadre avec de l’espace négatif.

Ce n’est pas quelque chose de facile à faire et encore moins à maîtriser, mais essayer d’intégrer de temps en temps des espaces négatifs dans ses photos permet d’améliorer encore un peu plus sa vision photographique.

C’est un excellent moyen d’isoler votre sujet, de le mettre en valeur.

Lorsque vous vous trouvez en présence de grandes étendues uniformes dans leurs textures ou dans leurs couleurs, ayez le réflexe de penser aux espaces négatifs. Vous ferez un autre type de photos.

 

Conclusion

 

Vaste sujet que celui de la composition photo. Composer une photo signifie faire un travail de sélection, que mettre dans le cadre et surtout que faut-il exclure ?

Le but d’une composition est de délivrer un message. Chaque élément de celle-ci a donc une signification, une raison de se trouver dans celle-ci.

Une bonne composition est une composition qui fonctionne bien, dont le message est clair à comprendre.

Il y a tellement de choses à dire sur la partie créative de la photo… J’ai rassemblé en une seule formation en ligne tout ce qu’il faut savoir pour créer des images attractives, des images qui parlent, des images qui provoquent des émotions, bref, des images qui racontent des histoires.

Je vais très bientôt ouvrir à nouveau ses portes pour une nouvelle session, alors si vous souhaitez franchir un nouveau cap, je vous invite à vous inscrire à la liste en cliquant sur ce lien – Comment exprimer sa vision en photographie. Vous serez averti en avant-première de sa réouverture !

Voilà, j’ai hâte de lire vos commentaires à ce sujet, à bientôt… !